-Los colores (Rangah / The Colors)
Irán / 1976 / 16 mm / color / 15min:
Rojo, verde, amarillo, azul, blanco, y negro. La película trata de familiarizar, mediante la sucesiva presentación de objetos de distintos colores, a los más pequeños con estos. Cierra con una pizarra negra, símbolo del aprendizaje.

-Un traje para la boda (Lebasi barai-e arusi / The Wedding Suit)
Irán / 1976 / 35 mm / color / 54min.:
Una mujer encarga a un sastre, un traje para que pueda estrenarlo su hijo pequeño el día de la boda de una hermana. El aprendiz de la sastrería y otros dos adolescentes que trabajan en el inmueble diseñan un plan para poder probárselo durante la noche y ver cómo se sienten. Las cosas se complican un poco y, por la mañana, en el último momento, lograrán devolver el traje a su lugar.

-Tributo a los maestros (Bozorgdasht-e momin.alem / Tribute to the Teachers)
Irán / 1977 / 35 mm / color / 23min.:
Por medio de entrevistas con diferentes maestros de escuela, se rinde homenaje a los educadores.

-Cómo hacer uso de nuestro tiempo libre: pintando (Az oghat-e- faraghat-e jod chegune estefade konim: rangue-zani / How to Make Use of Our Leisure Time: Painting)
Irán / 1977 / 16 mm / color / 7min.:
Documental de carácter pedagógico, donde se trata de inculcar a los niños pequeños, la afición por la pintura y las refacciones domésticas.

Insatisfecha con su vida, una mujer arrienda una pieza en una casona donde espera encontrar la llave que le permita encontrar un rumbo. Allí, un puñado de personajes -tan insatisfechos como ella- procuran seducirla, esperando que los elija. Ante la pregunta de qué es lo que verdaderamente quiere, sólo hay perplejidades y silencio. En ese despliegue de personajes y situaciones azarosas y exteriores, en esos espacios que se confunden como si fueran un único e irreal laberinto, Sánchez logra el raro prodigio de atrapar la interioridad indescifrable de su protagonista.

Cándido López fue el gran pintor argentino del siglo XIX y, al mismo tiempo, un artista único en su manera de pensar y representar la -escena pictórica-. Y es esa singularidad, justamente, la que llevó a José Luis García a hacer un film documental que contemplara varias premisas simultáneas: que tenga la forma de un viaje, a la manera del que emprendió el propio López; que busque reproducir la célebre perspectiva imposible desde la cual organizaba sus cuadros de batalla, alusivos a la Guerra de la Triple Alianza, uno de los temas menos abordados por el cine argentino; que dé cuenta del propio proceso de trabajo del cineasta con su personaje; y, por último, que no pierda ese espesor documental que le brindan lugares que permanecen intocados, los cuadros que reproducen con obsesiva fidelidad momentos específicos de los combates o la espera de los combates, y los diarios escritos por López durante la campaña. García sale victorioso de todos esos posibles tropiezos y logra una película que ni venera ni se pone por encima de su personaje, que no lo mira desde arriba como miraba López sus paisajes sino de frente, tan apasionada como distanciadamente, muy consciente de que al evocarlo, al cercar sus aristas, lo está construyendo, se está apropiando de él. Como si fuera una Apocalypse Now mesopotámica, como si la lucha de García por su objeto inasible fuera igual a la Willard o, mejor, quizás a la del mismo Kurtz, este es un viaje que no se parece a ningún otro.

Nacido en Nijmegen (Holanda, en 1940), Driessen es uno de los más importantes animadores independientes del cine contemporáneo. Comenzó a trabajar hacia 1964, principalmente en cortos comerciales para la TV. En 1967 fue uno de los animadores del largometraje Submarino amarillo de George Dunning, sobre música de The Beatles. Su primer film personal (The Story of Little John Bailey) fue realizado en Holanda en 1970, y luego se trasladó al National Film Board de Canadá, donde contó con una considerable libertad creativa. Desde 1977 volvió a trabajar con regularidad en Holanda y su producción desde entonces se alterna entre ambos países.
Driessen es un autor esencialmente cinematográfico. Tiene un estilo completamente original caracterizado por su sentido de la síntesis, que es también el rasgo principal de sus dibujos. Ha desarrollado un modo de animar que es elástico y preciso al mismo tiempo, y que se adapta perfectamente a su línea. A todo ello hay que sumar un sentido del absurdo que a veces se vuelve casi filosófico, un cuidadoso diseño sonoro y, sobre todo, una constante voluntad experimental para plantear sus relatos. -Siempre funcioné dentro de mi propio y pequeño mundo-, ha declarado Driessen. -Descubrí lo que realmente me gustaba del cine, explorando cómo se puede trabajar en la pantalla grande, qué puede uno inventar en términos narrativos, qué tan lejos se puede ir-.
Bastante lejos, a juzgar por la audacia de su obra. En The Killing of an Egg plantea un juego de cajas chinas; en Home on the Rails los personajes tienen rutinas tan establecidas que desaparecen algunos segundos mientras las ejecutan; en 3 Misses se desarrollan tres historias yuxtapuestas; en The Water People, On Land, at Sea and in the Air y The End of the World in Four Seasons se plantean tres sistemas de pantalla dividida (en dos, tres y seis partes respectivamente) completamente diferentes, con acciones simultáneas, complementarias, independientes o sucesivas, según el caso.
Muchas de las películas de Driessen se conocieron en Argentina durante los ’90, a través del programa Caloi en su tinta. Esta será la primera oportunidad de apreciarlas en 35mm. y pantalla grande, con el privilegio adicional de la presencia del autor.

Programa 2
The Story of Little John Bailey (1970), Le bleu perdu (1972), David (1977), The Killing of an Egg (1977), Un histoire comme une autre (1981), Spotting a Cow (1983), Uncles and Aunts I (1989), Uncles and Aunts III (1992) y The End of the World in Four Seasons (1995).

-El viajero (Mosafer / The Traveler)
Irán / 1974 / 35 mm / blanco y negro / 71min.:
Ghassem tiene problemas en la escuela y con su familia porque solo parece interesarle el fútbol. En ocasión de un importante partido a jugarse en Teherán, decide engañar a parientes y amigos y viajar a la capital para asistir al encuentro.

-Dos soluciones para un problema
(Do rah-e hal baroi-e iek mas'ale / Two Solutions for One Problem)
Irán / 1975 / 35 mm / color / 5min.:
Durante el recreo, dos compañeros discuten por un libro que Nader ha devuelto roto a Darah. Dos alternativas son posibles, y el film las ilustra sucesivamente: Darah quiere vengarse y los dos niños se enfrentan en una pelea; ambos colaboran para reparar el libro con pegamento, y se amigan.

-Yo también puedo (Man ham mitunam / So Can I)
Irán / 1975 / 35 mm / color / 4min.:
Dos pequeños ven dibujos animados sobre distintas clases de animales. En cada escena, uno de los niños afirma poder hacer lo mismo que hacen los animales en la pantalla. Sin embargo, la contemplación de unos pájaros volando los sume finalmente en la perplejidad.

-Cándido López fue el gran pintor argentino del siglo XIX y, al mismo tiempo, un artista único en su manera de pensar y representar la -escena pictórica-. U es esa singularidad, justamente, la que llevó a José Luis García a hacer un film documental que contemplara varias premisas simultáneas: que tenga la forma de un viaje, a la manera del que emprendió el propio López; que busque reproducir la célebre perspectiva imposible desde la cual organizaba sus cuadros de batalla, alusivos a la guerra de la Triple Alianza, uno de los temas abordados por el cine argentino; que dé cuenta del propio proceso de cineasta con su personaje; y, por último, que no pierda ese espesor documental que le brindan lugares que permanecen intocados, los cuadros que reproducen con obsesiva fidelidad momentos específicos de los combates o la espera del los combates, y los diarios escritos por López durante la campaña.
García sale victorioso de todos estos posibles tropiezos y logra una película que ni venera, ni se pone por encima de su personaje, que no lo mira desde arriba como miraba López sus paisajes sino de frente, tan apasionada como distanciadamente, muy conciente de que al evocarlo, al cercar sus aristas, lo está construyendo, se está apropiando de él. Como si fuera una Apocalypse Now mesopotámica, como si la lucha de García por su objeto inasible fuera igual a la de Willard o, mejor, quizás a la del mismo Kurtz, este es un viaje que no se parece a ningún otro.-
Sergio Wolf


-Como en los mejores cuentos, el azar es el que da inicio al viaje de José Luis García en Cándido López, los campos de batalla. Para su primer proyecto como documentalista, el director de fotografía anda queriendo investigar a Cándido López, el artista plástico que durante la guerra de la Triple Alianza (1864/1870) compuso una treintena de los más geniales frescos que jamás haya dado el arte argentino. (...) Como quien se lanza a una aventura (aventura de descubrimiento, que termina donde suelen terminar esa clase de relatos, enplena selva) y con un libro de ilustraciones de Cándido López como guía de viaje, la spinettiana figura de José Luis García se lanza río arriba, como nuevo Willard en busca de su propio Kurtz. Consulta historiadores, pobladores y descendientes de uno y otro lado (argentinos, paraguayos, brasileños). Visita museos. Investiga restos y huellas. Se trepa a una escalera para fotografiar -desde la misma perspectiva panorámica que el pintor- los lugares que alguna vez fueron campos de batalla. El resultado: un documental sobre Cándido López, sobre la guerra del Paraguay, sobre la historia misma del Paraguay y el Cono Sur, sobre el salvajismo porteño, sobre el imperialismo inglés, sobre las marañas de la historia, sobre lo que fue y no será y sobre lo que fue y sigue siendo. Una gran película, en la que la información se vuelca tal y como la recibe el viajero: de forma fragmentaria y dispersa, como si se tratara de un fascinante rompecabezas para armar.-
Horacio Bernades

Mekas está de vuelta, y de mudanza. A Letter from Greenpoint es la crónica de una mudanza, la del propio director, que luego de tres décadas de vivir en el Soho se traslada a Brooklyn. El film es un concentrado de -pequeños destellos de belleza-, con el propio Mekas como centro de la mayoría de ellos. Hay un largo plano del departamento del Soho ya vacío, una hilarante oda a un huevo duro, un joven que declara su amor a Norah Jones, Mekas cantando -Like a Rolling Stone- a capella y muchos más chispazos vitales de un director que se muestra a sí mismo cuando, con insomnio, prende su cámara y nos hace partícipes. Pocos como él pueden convertir estos pequeños acontecimientos entre cajas sin desembalar en fragmentos inolvidables.

Esta es una versión delirante de la vida de Jesús, ambientada en el Lejano Oeste y realizada en un estilo surrealista que se encuentra en algún punto medio entre Simón del desierto de Luis Buñuel y El Topo de Jodorowsky. El -Palacio de Greaser- es el gigantesco saloon, que se impone como el edificio más importante de un pueblito del oeste, a fines del siglo XIX. Greaser es su propietario, un señor que sufre una constipación crónica. Un día llega Jesse desde los cielos, realiza algunos milagros y dice que quiere triunfar como cantante y bailarín. Mientras Jesse atraviesa diferentes situaciones hasta alcanzar la crucifixión, una mujer es víctima de sanguinarios ataques que parecen no tener fin, una bella muchacha india se pasea en topless, el Espíritu Santo se queja de la poca importancia de su rol y el enano de La isla de la fantasía vive en pareja con un travesti barbudo. Downey suma un disparate tras otro, con una libertad que muy pocos cineastas se permitieron en toda la historia del cine norteamericano. El suyo es un film irreverente, sacrílego, políticamente incorrecto y lleno de sangre. Pero al mismo tiempo tiene un estilo riguroso que proporciona al resultado una curiosa sobriedad que potencia su imprevisible sentido del humor.

Siete aspirantes a un alto puesto ejecutivo se presentan a una prueba de selección de personal para una empresa multinacional en un rascacielos de oficinas de Madrid.

Antonio, un prestigioso cirujano plástico español, casado y con dos hijos, viaja a un congreso en Buenos Aires con una asistente personal mucho más joven. Allí, los dos se sienten atraídos mutuamente y, luego de perder el avión de vuelta, se entregan a la pasión. Una vez vuelto a su país, debe decidir entre su esposa y su amante.

Perelman es un joven abogado que todavía no sabe muy bien quién va a ser cuando sea grande. En la búsqueda por definir su identidad, acepta, aunque con cierta aprensión, lo ya heredado, lo inmodificable, lo que él ya es. Pero lo que le cuesta hacer, y mucho, es la otra parte: continuar construyendo su identidad precisamente a partir de lo que se puede cambiar, de aquello que pueda diferenciarlo de su padre, de lo que hay por descubrir.

Rubén es el custodio de un ministro. La película es acerca de un trabajo que consiste en reemplazar la vida de uno por la de otro, acerca de la presión que ésto implica y acerca de cómo esa presión finalmente estalla.

La película trata sobre el tema del tráfico de niños.

Fahrenheit 451: la temperatura a la que el papel de los libros se inflama y arde. En un futuro no muy lejano, un cuerpo de bomberos con el anagrama 451 en el casco, no se dedica a extinguir fuegos, si no a provocarlos.

El Teatro Colón como escenario de una poderosa conjunción de cine y música: El acorazado Potemkin (UdRSS, 1925)*, el film de Sergej Eisenstein elegido en 1958 como "la mejor película de todos los tiempos" revolucionó el cine mundial con portentosas escenas de masas. El montaje, prácticamente desconocido hasta ese momento, es tan magistral que infinitud de directores copiaron algunas de sus míticas escenas, entre ellos Brian de Palma para su película Los Intocables. Verdadera obra maestra del cine ruso, El acorazado Potemkin se convirtió también en uno de los casos más espectaculares de censura durante los años 20.
Hoy, a poco más de 80 años del estreno del film en la antigua Unión Soviética y a más de 100 años de la revolución rusa que lo inspiró, el Goethe-Institut y el Filmmuseum Berlin - Deutsche Kinemathek presentan por primera vez en Buenos Aires la reciente restauración berlinesa, la más completa y fidedigna de todas. La película, que se restauró a partir de negativos encontrados en archivos de Moscú, Berlín y Londres, se estrenó durante el Festival de Cine de Berlín en 2005.
Invitado especial para el estreno en Buenos Aires es el prestigioso crítico e historiador alemán Enno Patalas, que tuvo a su cargo los trabajos de restauración no sólo de El acorazado Potemkin, sino también de Metrópolis y otras películas de Fritz Lang. Enno Patalas es una leyenda en restauración. Durante la presentación que ofrecerá en el Goethe el lunes 17 de abril a las 18hs. hablará sobre su trabajo y revelará los entretelones de su experiencia con estas películas.
*Versión restaurada (2005) bajo la dirección de Enno Patalas y la colaboración de Anna Bohn. Película muda con música original de Edmund Meisel adaptada por Helmut Imig. Una iniciativa del Fondo Federal de Cultura de Berlín, bajo la dirección general del Filmmuseum Berlin - Deutsche Kinemathek, con el apoyo del Bundesarchiv-Filmarchiv (Berlín), del British Film Institute (Londres), del Fimmuseum München y Gosfilmofond of Russia, Moscú.
Con acompañamiento musical en vivo de la Orquesta Sinfónica del Teatro Colón, presentado por el Goethe-Institut en el marco del 8° Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente.